​LES OBJECTIFS PÉDAGOGIQUES​

 

 

Le Laboratoire de l’Acteur, créé en 2001 par Hélène Zidi, a été la première école à proposer un enseignement fondé sur le coaching à l’image, issu de son expérience de 15 ans comme directrice de casting. L’école propose une formation professionnelle complète, des stages et un accompagnement personnalisé. Elle vise à offrir aux comédiens une meilleure lucidité sur leur métier, à les accompagner dans leur évolution et à les préparer aux exigences concrètes du plateau et de la caméra.

 

Les objectifs clés de la formation sont :

 

1. Développer les qualités artistiques et révéler l’identité d’acteur : faire émerger la singularité et le style propre de chaque comédien.

2. Acquérir des techniques fondamentales : travail du corps, de la voix, du phrasé, de l’émotion, de l’action et de l’imaginaire. Cette étape implique une période d’observation et de suivi pédagogique individualisé.

3. Apprendre à se connaître : identifier ses résistances personnelles liées à la représentation, afin de les dépasser et de renforcer sa disponibilité sur scène et à l’écran.

4. Se professionnaliser : préparation aux castings, exercices de tournage, interprétation de monologues et de scènes classiques et contemporaines.

5. Intégrer les techniques spécifiques du jeu face caméra : maîtrise des outils indispensables pour les auditions, castings et tournages, afin de favoriser l’insertion dans le milieu professionnel.

6. S’approprier une méthode de travail autonome : lecture et analyse de texte, sous-texte, recherche de la situation, improvisation, construction physique et psychologique du personnage.

 

 

Cet apprentissage progressif et multidisciplinaire, inspiré de la méthode Stanislavski revisitée par Lee Strasberg et Stella Adler, a pour finalité de rendre chaque élève autonome dans sa pratique, capable de construire un rôle et d’aborder le métier avec rigueur, liberté et professionnalisme.

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LES COMPETENCES VISÉES

elles ont pour vocation de permettre à chaque acteur : ​​​​

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• D'avoir un retour personnalisé sur sa notion d'emploi. 

• D'accorder son instrument en se relaxant.  

• D'assouplir ses capacités à l'aide de l'improvisation.  

• D'élargir son répertoire.  

• De travailler ses rôles en apprenant la construction du personnage

• D'être toujours plus performant en casting grâce au travail à la caméra 

• De se voir offrir un objectif d'orientation à sa carrière en recevant un développement personnel sur mesure.  

• De se ressourcer quand il ne joue pas.

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LES THÉMATIQUES ABORDÉES DURANT LA FORMATION  

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La formation du Laboratoire de l’Acteur couvre l’ensemble des compétences nécessaires au métier de comédien, en intégrant la scène et la caméra, la technique et la créativité, l’exigence et l’expérimentation.

 

1. Technique vocale

Travail de la diction, de la respiration, du placement et de la puissance de la voix. Développement de l’articulation, du phrasé et de la musicalité du texte. L’objectif est de donner à l’acteur une voix souple, claire et expressive, capable de s’adapter aux différentes exigences de jeu (théâtre, cinéma, télévision).

 

2. Travail corporel

Développement de l’expressivité corporelle, de la posture et du rapport à l’espace. Le corps devient un instrument disponible et expressif, au service du rôle.

Ce travail inclut également des pratiques de méditation et de sophrologie, afin d’améliorer la concentration, la relaxation et la gestion de l’énergie sur scène et à l’écran.

 

3. Travail émotionnel

À travers différents exercices, l’acteur apprend à mobiliser ses ressources intérieures pour nourrir son jeu :

 

• en puisant dans son imaginaire, selon l’approche de Stella Adler ;

• ou dans sa mémoire affective, dans la continuité de l’enseignement de Lee Strasberg.

  L’objectif est d’offrir à l’acteur plusieurs outils afin que l’émotion jaillisse de manière organique et maîtrisée.

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4. Interprétation

Exploration de scènes classiques et contemporaines, analyse de texte, construction du personnage et du sous-texte. Mise en pratique à travers des dispositifs pédagogiques innovants :

 

• Prises de risque : spectacles conçus et portés par les élèves, de l’écriture à la scène.

• Capsules : formats courts permettant d’expérimenter écriture, mise en scène et jeu devant un public.

  Ces expériences confrontent l’acteur aux réalités de la création et développent son autonomie artistique.

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5. Atelier face à la caméra

Exercices de tournage, travail de scènes filmées et techniques de jeu spécifiques à l’image. Préparation aux castings et aux auditions filmées. La caméra est utilisée comme un outil pédagogique essentiel : microscope qui révèle la précision du jeu, et miroir qui permet à l’acteur d’analyser sa présence et son impact.

 

6. Improvisation

Improvisations libres et préparées, pour développer créativité, imagination, spontanéité et réactivité. L’improvisation favorise l’écoute, la disponibilité et la capacité à créer un personnage dans l’instant, compétences indispensables sur scène comme à l’écran.